Archive for Arte Urbano/Street art

Made in Bolivia en la versión de Paola Campuzano de Haverkamp

En el mes de enero se presentó el libro Made in Bolivia una publicación que busca retratar el movimiento artístico contemporáneo y de diseño gráfico en el país. A continuación, la diseñadora Paola Campuzano de Haverkamp nos comenta sobre sus motivaciones, su experiencia y proyectos a futuro.

 

1. ¿Cómo defines el libro Made in Bolivia?
Made in Bolivia es el primer libro que retrata el movimiento artístico contemporáneo y de diseño gráfico tomando en cuenta las influencias y tradiciones reflejadas en la capacidad y las virtudes estéticas bolivianas desde una perspectiva intercultural. Surge a través de la observación del lenguaje, el reflejo urbano y las conversaciones con los artistas involucrados en este movimiento en el que se explora y posiciona la cultura visual boliviana. El libro contiene textos, entrevistas, muestras de trabajos realizados con influencia histórica y social, los mismos que expresan una identidad nacional, cambio y desarrollo.

2. ¿Cuándo y cómo surge la idea de hacer un libro sobre diseño en Bolivia?
El origen de la obra comenzó como mi trabajo de grado en la University of Applied Sciences en Düsseldorf (Alemania) el año 2009. A partir de ese momento continué con el interés de descubrir la identidad visual de mi país de origen y con ello dar a conocer la situación cultural, artística y su desarrollo a través de los años, características que no se difunden mucho en los medios de comunicación globales en comparación con otros países vecinos.

3. ¿Cuánto tiempo te llevó la realización de este proyecto?
Desde la concepción hasta realización, se puede hablar de 2 años, el tercer año fui más que todo desarrollando estrategias de mercado y analizando ofertas de apoyo en cuanto a la publicación del libro.

4. ¿Qué importancia le concedes a tu obra en el contexto nacional?
Made in Bolivia tiene como meta contribuir al diseño y al arte contemporáneos en Bolivia y también con ello abrir las puertas en este medio y comunicar tanto de manera nacional, como internacional. Esta primera edición documenta una escena de diseño en movimiento y crecimiento, la misma tiene voz propia y es digna de darse a conocer.

5. En este tiempo de globalización y masificación cultural ¿se puede hablar de una gráfica boliviana?
Mi posición en este proyecto -a parte de la autoría, diseño y dirección de arte- fue sobre todo de documentación. No tengo un mensaje concreto ni puedo definir este tema con pocas palabras, aun así la resonancia en el extranjero, particularmente en Europa ha sido que “se nota un común denominador que conecta a la gráfica boliviana”.

6. A partir de tu experiencia en la realización de este proyecto y tu vivencia en otro continente ¿cómo ves la gráfica boliviana?
La veo muy animada, es decir valiente. Obviamente tenemos la ventaja que la gráfica boliviana está en fase de experimentación y consecuentemente una definición va a ser trazada, creo, dentro de poco. Hay un diseño muy profesional que no tiene nada que envidiar a la gráfica en otros continentes.

7. ¿Cómo realizaste la selección de los artistas entrevistados?
Antes de empezar el proyecto hice una investigación de unos 6 meses, en aquel entonces el movimiento gráfico estaba recién presentándose y buscando nichos en los nuevos medios (internet, blogs, websites, etc), también debido a mi estudio en la UPSA (Santa Cruz) y el tiempo que viví en Bolivia me dieron lugar a conocer algunos contactos y personas que me brindaron su tiempo, contactos y ayuda, pero en primera estancia, fue una cuestión de accesibilidad, de las personas que son parte del proyecto.

8. ¿Por qué la idea de hacer un libro bilingüe, pero no en inglés sino en alemán?
Bilingüe porque -no cabe duda- el proyecto tiene como objetivo ser una plataforma de intercambio cultural. Yo vivo en Alemania, mi estudio fue en alemán, radico en ese país y nací en Bolivia y también soy boliviana, entonces la idea de crear un puente entre estas dos naciones en términos culturales contemporáneos es un deseo personal y por supuesto profesional. ¿En inglés? Este idioma se verá presente en la edición Nº 2 de Made in Bolivia.

9. ¿Qué proyectos tienes a futuro?
A corto plazo estamos lanzando la website del libro, en ella vamos a estar publicando updates, informaciones sobre eventos y actualización de datos de antiguos como de nuevos integrantes de este proyecto, que acaba de comenzar con esta primera edición del libro. A largo plazo estamos en planes de iniciar una investigación y proceder con la segunda edición de Made in Bolivia, tal vez tocando otras ramas de nuestro arte contemporáneo y como mencioné antes, en otras lenguas.

 

Paola Campuzano de Haverkamp, estudió Diseño Gráfico en la Universidad Privada Santa Cruz (UPSA), hizo un diplomado y Licenciatura en Diseño Visual y de Comunicación en la University of Applied Sciences – FH-Düsseldorf, Alemania. Trabajó desde el año 2002 con empresas y agencias de publicidad en Alemania.

Salvador Kalavera – El matarte

Después de varios meses de acordar entrevistas virtuales ya sea por messenger, luego skype o facebook, las cuales no se concretaron más por el descuido de entrevistador que por la disponibilidad del entrevistado; hace dos semanas por fin logramos nuestro objetivo; desechando las opciones tecnológicas nuestra entrevista se realizó debajo de uno de los Puentes Trillizos (La Paz), en el puente Unión que haciendo honor a su nombre vincula las zonas de Miraflores y San Jorge, allí durante 3 jornadas de trabajo este joven artista plasmó una nueva obra para nuestra ciudad, no es el lugar más visible, casi escondido se encuentra un imponente cóndor presto a alzar vuelo en la ciudad de cemento, esta la entrevista con Salvador Kalavera:

Tuba pagana. 2 plantillas individuales, 1.70cm alto, marzo 2010.

¿Tienes algún problema en dar a conocer tu identidad?
Para nada, ya me han hecho varias entrevistas. No me hago mucho lío porque lo que yo hago no es delincuencial; soy un artista urbano.

¿De dónde eres?
Nací en Tupiza (Potosí) pero viví más tiempo en Cochabamba y La Paz, actualmente vivo en Buenos Aires (Argentina) donde estudio diseño de indumentaria en la Universidad estatal de Buenos Aires (UBA).

¿Qué diferencia hay entre un grafitero y un artista urbano?
El grafitero viene más de la cultura del hip-hop y yo no tengo ningún apego a ella; soy del otro extremo; pero esto no significa que no pueda hacer arte urbano. El graffiti tiene sus propias modalidades que yo no utilizo, como el marcar zonas, escribir nombres, tagear. Ellos mismos se definen como escritores. Obviamente, hacen figuras e imágenes que juntan con las letras. Lo mío no tiene nada que ver con el graffiti; lo que tengo en común es el uso del aerosol como herramienta de trabajo.

Stencil 2007

¿Cuáles son las temáticas que trabajas?
La cotidianidad es la que me inspira: salir a la calle y ver lo que sucede, cómo vive la gente cuando entras a la cocina y los temas del día a día que se hablan alrededor de una mesa. Esos son los temas que me inspiran y me hacen pensar en lo que voy a dibujar después. Sin necesidad de evadirse, hay que ser sensible a tu medio.

Cholitay. Stencil, 1.70cm. de alto, 3 plantillas individuales.

¿Por qué en la mayoría de tus obras están presentes los esqueletos?
Al principio, comencé a dibujar unas cholitas a las que no quería ponerles rostros con facciones estereotipadas de una mujer andina. Finalmente, llegué a la conclusión de que todos los seres humanos tenemos algo en común por dentro, que es un esqueleto, algo que nos hace iguales a todos. Entonces decidí que en lugar de poner un rostro utilizaría un cráneo y comencé a trabajar todas mis obras de esta manera, porque hay cosas que hemos olvidado o estamos olvidando: esa especie de espíritu de las cosas que están y no están muertas. Por eso a los esqueletos les pongo un contorno, un cuerpo para que estén presentes y tengan una personalidad de modo que la gente cuando los vea recuerde o les haga pensar algo.

¿Qué son la muerte y la vida para ti?
Para mí son la misma cosa, no creo que la muerte sea el final; más bien es parte de todo un proceso. Entonces, morir no significa que va a acabar todo, sino que es parte de ese proceso que es la vida: son la misma cosa. Tampoco hablo de reencarnaciones. Como decían nuestros antepasados, la muerte es parte de la vida y hay que tenerle respeto y no miedo.

Lujuria. graffiti, 2.5m. de alto.

¿Qué significa el “matarte”?
No es un nombre, es más bien un objetivo: es matar la cotidianidad, matar lo común, matar el aburrimiento, matar los pensamientos tontos. Es matar un poco al propio sistema mediante unos chispazos o ideas para que la gente comience a pensar en otras cosas y no sólo en lo que nos imponen.

¿Por qué esa necesidad entre los artistas urbanos de luchar contra el sistema?
No sé. En mi caso, porque se ha dado. Simplemente me di cuenta de que las cosas en este sistema en el que vivimos no están funcionando bien. No nos dejan pensar; se nos impone verdades, y no estaba satisfecho haciendo las cosas que me decían que tendría que hacer. Entonces comencé a buscar mi propio camino y encontré caminos alternativos; estoy buscando mi propia opción.

Teatro antidisturbios. 1.7m de alto, 2 plantillas individuales, 2009.

¿Cómo ves el movimiento del arte urbano y graffiti boliviano?
Ahora está bastante bien. Hace cinco años, cuando empecé, encontrabas en las paredes unos pocos esténciles, bombas, tags y un par de nombres que se repetían. El movimiento era tan pequeño que nos ubicábamos entre los que pintábamos. Luego se dio una especie de boom entre los jóvenes. Será que todos hemos pensado en lo mismo y empezamos a generar mucha gráfica. Ahora mismo en La Paz no hay rincón o calle que no esté firmada o pintada con algo.

Llamas. 1.5m de alto, una plantilla, 2010.

¿Se puede hablar de una identidad boliviana?
Yo trato de tener mi personalidad, mi identidad. Así como los grafiteros le llaman “estilo” a su forma de escribir, yo, al buscar el mío, confrontándome con mi propia identidad, he dado lugar a mi estilo. Hay muchos colegas a los que respeto porque tienen buen trazo, ya saben manejar la herramienta (aerosol) y tienen líneas que yo no saco o me cuesta sacar.

¿Hacer arte urbano es sinónimo de trabajar en la noche o la madrugada?
Generalmente, ubico un espacio para pintar y comienzo a pintar desde la mañana con horario de trabajo porque además ya no hago obras pequeñas, sino grandes, que requieren mayor dedicación y tiempo para hacerlas con la calidad que me gusta. Y como a la gente, al parecer, le gusta lo que pinto entonces no me dicen nada. En realidad nunca he pedido permiso para pintar, salvo en una oportunidad: me invitaron a pintar en un festival y tenía una pared a mi disposición, pero después no.

¿El arte urbano tiene una edad límite de iniciación y jubilación?
No creo, el otro día conocí a un niño de unos once años que ya estaba pintando sus graffitis y también conozco a grafiteros que deben tener como máximo unos 27 años. Yo tengo 25 y estaré pintando hasta que me dé el cuero. No creo que deje de pintar, pero sí pienso explorar otras cosas más porque no me voy a quedar pintando sólo graffitis.

Sagrada autopsia. aerosol.

¿Quiénes influenciaron en tu arte?
No me gusta influenciarme porque corres el peligro de terminar copiando. Sí puedo mencionar que me gusta el trabajo de Bansky y de Salvador Dalí. Lo que me inspira mucho es la música.

Garrafa. 0.65m., una plantilla, 2011.

¿Qué música escuchas?
Soy bien de la vieja escuela. Escucho mucho rocanrol clásico, punk rock, música bien sesentona de Bolivia y Perú; escucho a los Loving Darks, Climax, los ovnis de Huanuni. De Perú me gusta la cumbia chicha y el rocanrol que llegó a ese país de manera distinta, pues no se hacían versiones en español de los temas en inglés. Ellos hacían sus propios temas roqueros desde el principio. Por ejemplo, ya en los sesenta aparece el grupo Los Saicos, una banda proto punk.

¿Cómo ves el país?
Sin ser pesimista, pero creo que ahora en el país no están bien las cosas. Siempre estamos en un momento en que parece que va a suceder algo drástico, o nos vamos a quedar igual sin que pase nada por un buen tiempo. Los bolivianos somos trabajadores y más cuando estamos en otro país; pero a la vez somos muy confiados, lo que ocasiona que nos dejemos mamar fácilmente.

Bocetos de obras.

Los links de Salvador Calavera:
elmatarte.blogspot.com/
www.facebook.com/pages/MATARTE/118300051537240

Bolivia Contemporánea

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¿Quién es Elisabetta Andreoli?
Nací en Italia y crecí en diferentes países de Sudamérica: Perú, Brasil, Colombia y Venezuela. Mi formación profesional la realicé en Londres donde estudié historia de arte y arquitectura moderna. Posteriormente mantuve mi relación con el continente sudamericano mediante la publicación de artículos, libros, organizando intercambios culturales, y más recientemente en la realización de documentales sobre actualidad política.

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¿Cuándo y cómo se da tu relación con Bolivia?
Llegué por primera vez a Bolivia en febrero de 2003, gracias a la invitación de una amiga. Al salir a las calles en La Paz me encontré en medio de gritos, arengas y gases lacrimógenos, no muy lejos se podía escuchar disparos; el motivo de todo esto era el nuevo impuestazo del gobierno de Sánchez de Lozada.
Es común escuchar decir que este país tiene una impresionante fuerza telúrica que proviene de los Andes y sus paisajes majestuosos; a esto yo añadiría la frecuencia de sus marchas y bloqueos, y la intensidad de sus movimientos sociales. En ese entonces hicimos un documental un tanto militante sobre el país, lo terminé de editar en septiembre de ese año; pero cuando ya estaba por despacharlo, vinieron los hechos de Octubre negro. Desarmé todo el documental y recibí nuevo material de Bolivia – incluyendo una grabación de la periodista Amalia Pando comentando los sucesos de El Alto, durante su relato hizo una pausa tan fuerte y significativa que ya en sí mismo era un reportaje. Terminé de editando una nueva historia. Desde entonces mis visitas a Bolivia han sido más frecuentes.
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¿Qué es Bolivia Contemporánea?
Siempre he tenido la impresión que los extranjeros que llegamos aquí tenemos a veces una percepción estereotipada de un país de postal turística: el Salar de Uyuni, los Yungas, Tihuanacu, etc.; una mirada folklórica que romantiza sobre las llamitas, las cholitas, los indígenas; o la visión militante entusiasmada por Evo, los movimientos sociales, el Pachamamismo; y también incluiría la mirada paternalista de las ONG y la cooperación internacional que vienen a ‘poner orden’, dar buenos consejos y platita.
Ante este panorama, me preguntaba: ¿es posible hablar del país de una forma informativa y menos estereotipada? ¿se puede hacer una publicación que nos dé –sobre todo a los extranjeros– algunas pautas de lectura de lo que vemos y no logramos entender?  Es ahí que surge la idea de trabajar en una publicación que brinde algunas luces sobre lo que es este país.
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¿Cómo fue el proceso de realización del libro?
La primera decisión fue de no trabajar con fotos ‘robadas’ en la calle o en el  campo, tu sabes por ejemplo cómo las cholitas se ponen furiosas –y con toda razón– cuando los extranjeros les sacan fotos: ‘ustedes nos sacan de todo y después se van afuera a hacer plata y carrera con nuestras cosas y a nosotros no nos llega nada’, de hecho dos fotógrafos italianos (Pietro Paolini y Daniele Tamagni) que ganaron el prestigioso Word Press Photo y su dinerito con fotos de Bolivia.
Después vino la elección de los fotógrafos: Julie Guiches (Francia) y Benoit Lorent (Bélgica) trabajan en colectivos y con colectividades y ambos han desarrollado una metodología y, diría yo, una deontología para trabajar con la gente, que me pareció la más adecuada. La idea no era lograr fotos ‘lindas’ donde las personas aparecen como parte de la decoración de bellísimos paisajes de Bolivia. Buscamos establecer una relación con los protagonistas, entonces la gente está presente como sujeto y no como simple objeto.
Hicimos un recorrido con los amigos de la Red de la Diversidad-Wayna Tambo, visitamos grupos organizados que estaban informados y de acuerdo con el proyecto; compartimos las fotos y nuestro acuerdo consiste también en entregarles copias del libro a cada comunidad que participó en el libro.
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Julie trabaja con la técnica de foto travelling, tiene la característica de parecer un fragmento de película pero ‘fija’; sus montajes urbanos están llenos de gente, transmiten la densidad urbana, la ocupación del espacio; los estudios públicos de Benoit nos dan una idea de la gente así como la encontramos al caminar por las calles; las panorámicas tratan de reflejar la amplia extensión de los paisajes tanto urbanos como rurales del Bolivia.
La elaboración  de los textos vino posteriormente, un poco en correlación de las imágenes –los mercados, las fiestas, los espacios públicos- pero también en función de aquello que sorprende a los extranjeros: el comercio callejero que no se entiende como es organizado, el folklore que tiene un rol y significado mucho más rico y vivo de lo que tiene en el viejo continente; o también poder develar toda la sorprendente dinámica que respira la ciudad de El Alto y que no siempre es comprendida por la visión un tanto obtusa de los visitantes -un amigo italiano me comentaba ‘para mí el Alto es un obstáculo entre mi casa y el aeropuerto’.
No quiero olvidarme de mencionar los aportes de Dagmar Dudivsky (Francia) y Sara Muzio (Reino Unido) en el diseño gráfico del libro; y el trabajo fotográfico adicional de El Chasqui, el rey (Bolivia) y Noah Friedman (EEUU).
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¿Tienes otros proyectos a futuro?
Creo que hay mucho por registrar y publicar de Bolivia, pues es un país con un amplia riqueza cultural que se puede poner en consideración de otros públicos en diferentes formatos y con características innovadoras.

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Y la presentación del libro gráfico…
En la ciudad de La Paz tenemos dos presentaciones: el día miércoles 4 de julio a las 19 hrs. en la Alianza Francesa (Av. 20 de octubre esq. Guachilla, Sopocachi) y el dia viernes 6 de julio a las 19 hrs.en el Colegio de Arquitectos de La Paz, Edif. Avenida, piso 4, Av.16 de Julio (el Prado).

En la ciudad de El Alto la presentación será durante todo el domingo 8 de julio en la Plaza 16 de julio (Feria 16 de julio).
Estamos confirmando una presentación posterior en Cochabamba y luego pondremos a la venta el libro en hoteles y espacios turísticos, no esta descartada la posibilidad de hacer presentaciones en otros países de Europa.

Satán en las paredes, una charla con su representante local

En medio de paredes saturadas de letreros de fotocopias, desgastados tags y afiches de cursos, avisos varios; habitan calaveras, diablitos, símbolos de dinero y toda una fauna mutante, producto de la imaginación del D.A.S. un joven artista y a la vez un viejo trabajador del arte callejero, quien que va plasmando su discurso en las paredes de la ciudad.
Esta es la entrevista al DAS un madrugador interpelador social:

 

¿Cuando te inicias en el arte callejero?
Mas o menos a los 16 o 17 años, pintando unos simples tags, que no tenían un mayor contenido gráfico, recién son 3 años que estoy dedicado al stencil y el grafitti en gran formato y conllevan un contenido.

¿Cuál es el significado de DAS?
DAS significa: Diablo Anarco Satánico. Lo de diablo es por la cuestión de identificación con toda la estética del diablo orureño, desde pequeño me fascinaba por las características ornamentales tan fuertes y originales, es algo que no puedes encontrar en otro lugar del mundo y que nosotros deberíamos explorarla de mejor manera y no solamente exhibirla en los carnavales, es por eso ello que la utilizo en mi gráfica.
Anarco lo uso porque me identifico ideológica y políticamente como anarquista, porque esa cuestión de derechas e izquierdas no lleva al mundo a ningún lugar, no estoy de acuerdo con la forma opresiva de como se manejan los gobiernos y los estados, es gente que sólo piensa en sus intereses y no en el bien común.
Lo de satánico no es porque tenga una identificación con sectas diabólicas, o por temas de fe religiosa sino por una cuestión filosófica de pensamiento, en nuestra sociedad  se identifica a lo malo con lo satánico y para una parte de nuestra sociedad lo que hago, mi arte es algo malo; es una especie de analogía de lo que hago. En la sociedad moderna al dinero se le rinde pleitesía y es una especie de Dios supremo, entonces me pregunto ¿Si el Dinero es un Dios qué es Satán?

foto: Tony Suárez

¿Cómo reacciona la gente frente a tu trabajo?
La gente reacciona de forma muy variada, hay quienes apoyan y otros no, los que apoyan es gente joven y la que no esta de acuerdo es gente mayor a la que le parece una transgresión a la urbanidad a la ciudad.

¿Tu crees que la gente entiende tus mensajes?
Puede que no todos lo entiendan, porque es una cuestión de percepción, hay gente que relaciona la cuestión por el uso del símbolo del dinero, la calavera, el hombre con cara de monstruo, el perro y su maletín; también tengo otros trabajos más abstractos (stickers) que son dibujos a mano alzada y seguro son más difíciles de entender.

¿Qué opinas de la presencia del arte callejero en las galerías de arte?
Al presentar tu gráfica en una galería deja de ser arte de la calle, el arte callejero le pertenece a la calle y pierde todo su sentido al pasar a una galería. Me han invitado a presentar en una galería, voy a ir a exponer pero sé que pierde el sentido original, pierde el valor de verlo en la calle, porque al estar en la calle es una cuestión pública y abierta el expresarte en el espacio público, mientras que a la galería solo van los artistas o gente bohemia.

¿Qué influencia tiene el arte callejero en el diseño gráfico?
He visto que se utiliza la técnica del stencil en la publicidad, muchos diseñadores están usándolo, hay ahora un concurso para el diseño de etiquetas de una gaseosa con graffiti, me parece un poco absurdo pero está bien… el graffiti no le pertenece a alguien.

Pero tiende a ser asimilado por el sistema…
De alguna manera si, sobre todo si a la gente joven le gusta y apoya obviamente se identifica si ve algo con marcas de grafiti, hay marcas ropa y los jóvenes compran.

¿Cómo va el movimiento del stencil en La Paz?
Somos unos cuantos no somos muchos, mas o menos ubico a quienes hacen por que nos encontramos en las calles y charlamos, la cuestión es que es un trabajo que cuesta, requiere mucho tiempo desde tener la idea, el hacer el picado de las viñetas, separar por colores, viñetear, corregir, rehacer, no es un trabajo fácil.


¿El stencil boliviano una tiene una identidad propia?

Todavía no, estamos en proceso de encontrar esa identidad, si bien hay artistas que tienen una identidad a veces es una copia de una estética occidental sea norteamericana o europea; hay algunos que se arriesgan a utilizar la cuestión cultural nacional y creo que por ahí deberíamos apuntar, tampoco es que este mal que haya una influencia estética externa, pero creo que es importante que usemos toda la riqueza gráfica que tenemos aquí y que tiene mucho para explotar, tengo la esperanza de que en algunos años mas se pueda reconocer un stencil y decir esto es arte callejero boliviano.

Planes a futuro…
Con esto del stencil no busco lograr una retribución monetaria o algo parecido, tal vez un poco de reconocimiento pero sobre todo por mis principios, por expresar mis ideas. Ojalá no deje pintar en esta gran galería al aire libre que es la calle, mientras pueda lo seguiré  haciendo. No es fácil salir en la madrugada a grafitear cuando adquieres otras responsabilidades como son el tener que trabajar o mantener una familia.

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La calavera del niño con los símbolos de dinero en la frente representan a todos los niños que mueren por culpa del capital, son niños que viven en la pobreza, en barrios sin condiciones adecuadas, sin alimentos, ni hospitales y que mueren de hambre, es el primer mundo que esta acabando con los países del tercer mundo ya sea en África o Latinoamérica. Esa calavera representa a los niños que no tienen futuro en esta sociedad.

El paso de jailones se me ocurrió porque resulta absurdo que ubiquen esa señalética en ese lugar de la 21 de Calacoto, que es una zona comercial y era una forma de criticar.

Las intervenciones en las señales de transito es por que estas señales en la ciudad ya se encuentran en malas condiciones, están despintadas, en algunos casos ya son ilegibles, a nadie le interesa y nadie respeta su uso, y al sobrepintarlas es mi forma de protesta, uso ese espacio y se nota tal vez mas esa cosa chiquita que hago sobre la señal original.

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Modus Graficandi
Primero ubicar un espacio o pared, luego comienzo a imaginar que gráfica podría funcionar en ese lugar, entonces comienzo a componer en base al espacio, después realizas las viñetas, hago todo en posters en papel donde viñeteo, si algo sale mal lo arreglo tranquilo sin que venga alguien venga a molestarte. Me gusta hacer las cosas grandes que se noten que contrasten con el espacio elegido; la técnica del stencil y el poster facilitan por la rapidez en su instalación, pues es cuestión de poner pegamento en la pared y colocar el poster y finalmente hacer algunos arreglos, aplicar un poco de pintura, escribir y listo, esta última parte no demora más de 10 minutos.

Arte callejero en Chile

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Al iniciar la Bitácora decíamos: “No queremos que este espacio sea como una fiesta a la que asistes, pasas un buen momento, bailas y te marchas cuando te cansas; queremos que sea como una Preste donde se mantenga el sentido de compartir y festejar, pero también adquieras el compromiso de aportar en este encuentro; el comentar o enviar materiales para publicar corre por tu cuenta”. Hasta hoy hemos gozado del aporte de varios fardos de imágenes de nuestros convidados a este festejo virtual, pero en esta ocasión tenemos nuestra primera pasante: Patricia Vargas Claudio o la @arquitecta (la tuitera más influyente de Bolivia), quien comparte en twitter y Facebook fotografías de arte urbano y arquitectura, y en esta ocasión se encargo de armar esta fiesta visual chilena.

Gracias Patricia

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El arte urbano contemporaneo encuentra en Chile una gran galería de “arte para todos” ubicando grandes obras en varias ciudades y espacios públicos.
Según Hervé Chandès, curador de arte contemporáneo, afirma que el graffiti tiene mucha resonancia en Chile debido a los fuertes movimientos de protesta que vieron en los muros un soporte para hacer denuncias.
Robert Palmer, autor del libro “Arte Callejero en Chile” menciona influencias mexicanas, desde que David Alfaro Siqueiros, el gran muralista, visitó Chile en 1940, creando brigadas de muralistas que realizaban grandes frescos a pedido.
La pintura callejera ha sido utilizada como propaganda política desde la década de los ’60, como consecuencia de hechos coyunturales de la época, pasando por una transición hasta la actualidad, donde la protesta convive con la estética, la semántica y el comportamiento de la vida cotidiana y contemporánea, siempre con influencias antisistema.
El desarrollo del arte callejero mas significativo en Santiago se encuentra en zonas relevantes:
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Bella Vista, una barrio bohemio donde la calidad artística compite entre técnica, contenido y las “crews” (brigadas) contra (stencil, yarnbombing, graffiti, tagging, stickers, etc). En esta zona los muros están en constante evolución: sobrepintandos con nuevas obras, donde en un mismo momento la imagen del lugar puede variar su lectura según cada espectador teniendo nuevas conclusión valorativas de comprensión.
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Zona Sur de Santiago, área conformada por muchos barrios, donde los muros cuentan sobre hip hop en graffiti. Los colores y la estética van renovando espacios casi derruidos, creando nuevas imaginarios en la rutina de sus habitantes y de los visitantes.
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Zona San Miguel es un espacio planificado como Museo a cielo abierto, para la celebración del bicentenario de Chile, donde se realizaron por encargo murales en edificios por reconocidos graffiteros.
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Valparaíso, ciudad portuaria de particular arquitectura, con una topografía llena de sorpresas donde el patrimonio y el abandono juegan un papel importante creando un hito a nivel mundial en el arte urbano, convirtiéndose en una galería internacional, es la Meca del graffiti, donde los rincones y recovecos menos pensados han sido apropiados por artistas locales y foráneos. Valparaíso es un juego de sensaciones visuales que te permite crear nuevos imaginarios de diferentes estéticas que van desde la consigna política, el punk hasta el humor.
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Patricia Vargas. Chile, marzo 2012
Patricia Vargas. Chile, marzo 2012.

Escrito en piedra o amor a pedradas – Vol. R

Foto: Eligio Copari

Foto: Eligio Copari

Hace un año atrás cuando caminaba por el Puente de las Américas (Miraflores, La Paz), por pura casualidad reparé en una declaración de amor escrita con piedras en un promontorio de tierra ubicado a un costado del citado puente.

Este mensaje tenía un carácter bastante rudimentario y simple, y podía permanecer visible hasta una semana completa; pero luego me di cuenta de que la declaratoria   iba variando. La figura del corazón se convirtió en el elemento insustituible del diseño, sin embargo las piedras comenzaron a tomar colores y el cambio de los nombres de los enamorados se hizo frecuente al interior de aquella representación cardíaca y rocallosa, pero el mensaje seguía siendo el mismo: una declaración de amor.

Piedras1

Últimamente dejé de fotografiar estos mensajes pues el resultado comenzó a hacerse monótono y previsible; se mantiene el corazón y se renuevan los nombres. El único mensaje con un toque de originalidad pero no exento de un grado de violencia, fue el encontrado debajo de los Puentes Trillizos (el que une Miraflores y Alto Obrajes) y el que mi buen amigo Eligio Copari gentilmente pudo captar: “te quiero matar”

Piedras2

Tuve la tentación de hacer una especie de vigilia por los alrededores del puente para pescar infraganti al o los autores y así poder conversar y salir de la duda del constante cambio de nombres; si bien esto hubiera aclarado la situación por otra parte le habría quitado la magia y el misterio sobre el origen y motivaciones de aquel corazón cambalache, es por ello que preferí quedarme con mis posibles respuestas sobre la identidad de los autores:

• ¿Será un picaflor empedernido y apedreado que semana tras semana cambiaba el objeto y el nombre de su amor?
• ¿Será un artista de vanguardia, underground obviamente (pues ubica sus mensajes debajo del puente) quien a tono con las tendencias plásticas decidió archivar su caballete y bastidores para pintar piedras y armar mensajes tipográficos?
• ¿Tal vez un hábil publicista que en lugar de vender aparatosas gigantografías o avisos en prensa decidió rentar este espacio terrestre a enamorados con mucha necesidad expresiva pero con poco billete?
• ¿Serán los obreros  de la empresa constructora de las bóvedas del río Choqueyapu que en sus momentos de descanso trepan al lugar para hacer una dedicatoria a su amada?
• ¿Será una cooperativa de enamorados que semana a semana hacen un pasanaku con este espacio para que sus miembros se expresen allí a pedrada limpia?
• ¿Tal vez una competencia entre los habitantes del lugar para ver quién apedrea más declaraciones de amor?
• ¿Puede que se trate de una de las locaciones de alguna producción cinematográfica de nuestro cine tan venido a menos en temas del corazón?
• ¿O tal vez un comando revolucionario amoroso que decidió olvidarse de la política, la economía y la revolución cultural, para dedicarse a tiempo completo a la revolución del corazón?

Se aceptan otras posibles hipótesis…

Piedras3.

Piedras4.

Piedras5

Fin de la travesía con el Capitán Cuellar

“Esta ultima serie representa una visión más contemporánea de las vivencias cotidianas del qué hacer fotográfico, pasando por el teatro, el graffiti, las texturas, el retrato y la calle, creando una nueva tendencia en el tratamiento de la imagen, es decir mas subjetiva y connotativa recurriendo a secuencias, mosaicos, superposición y colores complementarios para generar de esta manera una nueva forma de mirar y componer.

Sin embargo todo viaje siempre tiene un final, y durante estas semanas ha sido placentero él poder compartir parte de nuestra historia de vida como fotógrafo con todos los amigos y asiduos navegantes de la bitácora, un sincero agradecimiento nuevamente por sus parabienes, y por supuesto mi agradecimiento mayor a los Salinasanchez por esta oportunidad que nos brindan a los artistas de mostrar nuestro trabajo” Fernando Cuellar.

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1cabina-

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2cabina-.

3estatua-.

4azul.

5blanco-y-negro-.

6lentes-muro-.

7migracion-.

8rostro-.

9prado.

10movimiento.

13sombra.

15neon-.

16tunel

La bitácora da las gracias a nuestro estimado Fernando Cuellar, por conducirnos durante 5 semanas en esta travesía por las imágenes, fue un mes para conocer y reconocer los mundos que nos rodean y que el capitán Cuellar artísticamente se encarga de registrarlos. También te agradecemos a ti, por ser parte de nuestra tripulación en esta experiencia que inicia un nuevo tiempo para la bitácora; tal vez luego te encarguemos el timón para el próximo viaje.

Las viñetas se apropian de La Galerie

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Luego de 5 años de trabajar en las calles “reinventando el paisaje urbano, proponiendo una alternativa artística y reflexiva al bombardeo de mensajes comerciales y políticos” el colectivo LaPaz Stencil desembarca en “La Galeríe” de la Alianza Francesa en La Paz.

st4El colectivo compuesto por artistas que vienen de distintos pensamientos y ramas estéticas: Policía, Matilde Quiroga (las damas por delante), Nasty Juan, Ezequiel Rodriguez y Daniel Bargach; presentarán esta exposición colectiva con obras plasmadas en las mismas paredes de la citada galería de arte.

La exposición esta compuesta por trabajos realizados in situ; no hay marquitos, ni vidrios anti-reflejos, todo esta en las mismas paredes de la sala; mientras tanto estas son algunas imágenes del proceso de pintado de la exposición (dará mucha pena cuando termine la exposición y las paredes vuelvan a su inmaculado y característico blanco).

st3No es la primera vez que las artes urbanas ingresan a este espacio de la Alianza Francesa, en una anterior oportunidad presentó sus obras el graffitero y escurridizo Marsh (escurridizo por lo difícil de ser entrevistado).

Para quienes por las distancias no puedan asistir a esta exposición les pasamos la dirección del blog del colectivo dónde podrán acceder a imágenes del proceso de armado de la exposición y también una cuidadosa selección de sus trabajos en las calles de Chuquiago city: http://lapazstencil.wordpress.com/ también pueden revisar la entrevista que hicimos a Policia y  Nasty Juan en marzo de 2010 en la bitácora.

st2La expo estará abierta del 3 al 24 de mayo de lunes a viernes de hrs. 15 a 19:30 y los sábados de 10 a 12. La Galerie esta ubicada en la calle Fernando Guachalla 399 (Sopocachi).

El incipiente sticker paceño

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Un dibujo, un logo, un tag, un texto o la combinación de estos, impreso mediante serigrafía, fotocopia o de forma manual (dependiendo del gusto y el bolsillo del autor) en un papel engomado o adhesivo para ser pegado en postes, puertas o señales de tránsito: A esto se llama sticker.

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Es una subcategoría del street art o arte callejero y dependiendo de sus características puede transformarse en una pequeña obra de arte urbana; no por nada en algunos países reciben el tratamiento de objeto de estudio, se expone en galerías de arte o son parte de publicaciones recopiladoras del género.

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Estas imágenes son una muestra de lo que se esta haciendo en nuestro medio, salvo contadas excepciones que demuestran un mayor trabajo en la ilustración y en la presentación de un mensaje original; la mayor parte de los stickers se constituye en una replica poco ingeniosa en papel y en formato reducido de los desgastados tags que habitan en las paredes de la ciudad.

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Adjuntamos algunos links donde podrás apreciar colecciones de stickers en algunas de las ciudades referentes del street art:
www.peelmagazine.com
www.bristol-street-art.co.uk/category/sticker-street-art
www.barcelonastreetart.net/stickers/stickers.htm
www.bomit.com/enter.htm
www.urbanmedium.com/

http://pingmag.jp/2008/05/12/sticker-expo/

http://streetstickers.co.uk/

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La Amor: más allá del tag y el graffiti

PrimeramorSu nick es Cósmica, pero es más conocida en su crew ONK como “La Amor”, ella reparte su tiempo entre el colegio, la música (canta y toca el bajo eléctrico), la familia y cual profeta moderna plasma su mensaje de amor por la paredes de la ciudad.

Con sus 18 años se define como una mensajera, por su forma de pensar y vestir esta más próxima al hippismo de los 60s que al estereotipo hiphopero de los 90s; rescata aquella palabra devaluada y comercializada al extremo como es el amor; su indumentaria combina un informal canguro, collar de cruz andina, simbas multicolores, varios piercings y cero maquillaje.

Nuestra entrevistada es la autora de uno de los tags más reconocidos y difundidos en la ciudad: la AMOR, una rebelde con causa.

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¿Quién eres?amor2

No se quien soy la verdad; tal vez soy una voz que creo que ha sido esperada y está gritando a muchas personas y en si al planeta entero; no hablo del amor de pareja, hablo del amor que es un estado del espíritu el cual nuestro planeta lo esta necesitando en este momento crucial; son muchas personas dentro mío que están mandando este mensaje.

Amor…

Sí, soy la que pinta amor.

¿Qué es el amor para ti?

Es demasiado inexplicable, pero es como la quinta esencia del mundo, hay cuatro elementos (agua, tierra, aire y fuego) nosotros tomamos el agua, somos parte de la tierra, respiramos el aire y recibimos la energía del sol, es un ciclo y el amor es el que lo cierra, lo completa; el amor es el hacedor de movimiento, es la base de todo, las familias estas hechas de amor, la sociedad se forma en base a las familias, el amor es el hacedor de todo.

¿Lo tuyo es más que pintar tu nombre en la pared?

Totalmente, mi objetivo va mas allá.

La mayoría de los tageros solo quieren estampar su nombre en la pared…

Yo estoy de acuerdo con que quieran dar su mensaje, pero no me gusta que lo hagan sólo por hacerlo o por posicionar el nombre de su Mara en la calles, el graffiti en si y como ha empezado en sus inicios siendo un mensaje de protesta, como cuando nuestros padres se manifestaban contra el gobierno, y ahora nosotros nos estamos manifestando por la vida y tiene que ser algo artístico, por que el arte es el canal mas amplio con el cual los jóvenes podemos plasmar nuestras ideas, que son importantes por que somos parte importante de la sociedad y vamos a formar el nuevo mundo.

¿Y cómo te entiendes con ellos?

Todo bien con ellos y respeto mucho su pensamiento, pero para mi es otra cosa no quiero ser yo la que esta impone sus ideas, quiero plasmar un mensaje para todos: el amor, que es lo mas grande que hay, es infinito, es eterno, es el movimiento de la vida y del mundo; se lo ha tergiversado y mal interpretado durante mucho tiempo, pero ahora lo que más se necesita es entender que es el amor.

Muchos piensan que es “cursi”, por que su concepto de amor se queda en el amor de pareja, pero también están mis amigos quienes me apoyan porque creen que el amor es algo que le falta al mundo.

¿Tu mensaje queda claro con una sola palabra?tagsamor3

Sí pues los niños son los que más entienden, cuando era niña salía a la calle y me llamaba mucho la atención las letras y el arte, los niños son tan puros que perciben todo lo que es el arte, el público al que más quiero llegar son los niños y los jóvenes por que ellos van a formar el nuevo mundo y si no aprendemos a entender lo que es el amor no vamos a progresar, es una necesidad entender el concepto del amor, por que es la base de todo.

¿Se debe tener aptitudes artísticas para hacer un graffiti?

Me parece que para hacer el graffiti se tiene que tener un concepto artístico mejor trabajado, pero no todos los changos tienen ese concepto; si vas a plasmar algo en la calle tiene que estar bien hecho, no puedes pintar por pintar, algunos creen que están imponiendo su mara digamos o su posición en la calle, es un lenguaje de calle que nosotros los changos que pintamos lo entendemos pero la sociedad no; creo que el graffiti es el canal mas amplio para plasmar tu mensaje, tu arte, lo que quieres decir y tiene que ser trabajado, hasta tiene que tener su tiempo de estudio.

¿Hace cuánto tiempo estás en el graffiti y el tag?

El graffiti ha empezado en mi como un instinto, cuando tenia unos 13 o 14 años comencé a hacer bocetos, unas firmas, unos tags; un año más tarde me lancé a la calle a pintar diferentes firmas; pero la que más me ha gustado es el concepto “Amor”, también pinto cósmica que es algo más personal.

Resulta curioso hablar de una chica en el mundo del graffiti

Yo me siento una persona libre, jamás me limito por ser mujer, me gusta salir en la noche sola, soy un ser libre que esta plasmando sus ideas; Creo que ha sido tergiversado todo con respecto a las mujeres, pero en el arte estamos despertando, hemos sido reprimidas y encerradas en esta sociedad machista pero ya no tiene que ser así, las mujeres también tenemos poder.

¿Cómo se puede identificar un tag femenino?

El trazo es diferente, por que las mujeres tenemos otro tipo de energía, nuestro trazo es más sutil, más suave; pero en mi caso pensaban que se trataba de un chico.

¿Qué opina tu familia?tagsamor1

Mi mamá es una mujer de mente abierta, ella es artista; le ha chocado un cacho por lo peligroso que es, pues te expones a muchas cosas, pero a ella y mis hermanas les encanta; yo se que a mi papá también gusta por que el en sus tiempos pintaba graffitis de protesta y ahora yo, su hija estoy plasmando otras cosas; el y toda mi familia son mi inspiración.

¿Por qué oculta la verdadera identidad con el uso de nicks (apodos)?

La cultura del Graffiti como del hip hop tiene eso de que tu nombre tiene que ser oculto por que la policía te puede estar buscando, es el concepto que hay, a mi la verdad es que… si me agarran me agarrarán pues un cacho, estaré ahí 8 horas, pero que son 8 horas no son nada, nadie me va a poder parar; soy quien soy y no tengo miedo decirlo, ellos tienen otro concepto que no quieren que les pesque la policía o por que la sociedad te pone un nombre y te encierra en cajas, pero hay que romperlas.

Tu forma de vestir es más ecléctica que hip hopera

Es la diferencia que quiero marcar, por que la sociedad en todo el mundo te clasifica, si eres rockero debes vestir de una manera o si eres hip-hopero de otra manera; pero yo no estoy de acuerdo y por eso tengo de todo un poco; tengo la mente abierta, veo, analizo y decido lo que me gusta; pero sobre todo destaco la cultura andina que es muy fuerte y ha marcado muchas pautas dentro de la sociedad paceña y en mi también.

¿Qué música escuchas?

Me gusta el reggae, hip-hop, rock, punk, ska, electrónica; no me hago rollo pero sobre todo importa mucho el mensaje que puedan tener las canciones.

¿Cómo te defines: grafitera, tagera, artista de la calle…?

Me defino como una mensajera. Que utiliza el graffiti, el tag o la música (canta y toca el bajo, participó del disco Venus de FM11) para dar su mensaje.

¿Qué piensas estudiar cuando termines el colegio?tagsamor2

Música, también me interesa mucho el arte pero mi prioridad es la música.

¿Qué opinas de la educación en el país?

El sistema te reprime la creatividad y te corta el liderazgo, por saben que estas cuestionando el sistema, la educación, la forma de vida; y se necesitan más personas que cuestionen la sociedad para poder cambiarla.

¿Se puede decir que el tag tiene una identidad propia, digamos nacional?

La Paz es un monstruo, hay mucho movimiento, hay mucho tag por todo lado, es más ya no hay espacio para rayar en las calles; pero estamos influenciados por una visión y un estilo americano o europeo, no hay todavía una identidad nacional y es por que falta información y experimentar más; algunos estamos intentando plasmar lo que es Bolivia, lo que es La Paz pero falta.

¿Qué les dirías a las personas molestas por el pintado de tags en las paredes?

Tal vez ellos piensan que somos desconsiderados y tal vez en algún sentido es así; pero no se puede hacer nada, la gente va a seguir plasmando sus cosas en la calle, que es el lugar de exposición más fácil y directo, pues las paredes son un lienzo para nosotros y van a seguir existiendo changos que pintarán día y noche; por ahí se podrían hacer proyectos para pintar graffitis más trabajados en las casas y barrios, el arte bien trabajado es una contraposición a lo que es el tag, ver algo bien trabajado es agradable.

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La Amor en acción. Para su mensaje nunca es muy abajo o muy arriba.